El rastro de la pantera (The Track of the Cat, William Wellman, 1954)

Antes de nada, un aviso a pasajeros: este apunte lo escribo porque mi compromiso con el especial Wellman me obliga a ello, pero realmente es del todo innecesario, pues nada aportaré, excepto una anécdota posiblemente falsa que incluye a Mitchum corriendo desnudo por la nieve, a lo que ya dijo el Dr. Mabuse, fogonero de primera de este tren de sombras, hace no mucho en su gabinete. Además de mi opinión personal sobre The Track of the Cat y de esa anécdota poco voy a decir que no explicara él, como es su costumbre, con el orden y la claridad que a mí se me resiste.

William Wellman fue un hombre de grandes ideas, pero muy simples. O mejor dicho y hablando ya en términos cinematográficos: es uno de esos pioneros de segunda generación, por así llamarles, del cine norteamericano, que por haber controlado los recursos de un arte que maduró con ellos, sabía buscar oro fílmico donde otros solo se mojan el culo en el riachuelo de la moda pasajera. Así, nos descubrió el cielo en Wings, supo mejorar lo inmejorable de Beau Geste y saber hacernos amigos de un detestable Enemigo público. El mérito  de sus mejores filmes a veces se debe a que se combina un buen guión con buenas ideas visuales poco exploradas. En el caso de El rastro de la pantera el punto de partida era ese: partir de una buena historia bajo el paraguas de una sola idea, y la idea era: hacer una película en blanco y negro en color. Al parecer llevaba siete años dándole vueltas a esa ocurrencia cuando el tremendo éxito de The HIgh and the Mighty le facilitó el camino, pues John Wayne, su jefe y financiador de entonces a través de la Batjac, le dio carta blanca para hacer lo que quisiera. Así que lo hizo.

A partir de una novela de Walter Van Tilburg, autor también de Incidente en Ox Bow, A.I. Bezzerides preparó un guion que, en mi opinión, estropea algo la película como comentaré luego. Se trata de un drama familiar que se destapa cuando la alegórica pantera negra que da nombre a la película merodea por los alrededores de la casa familiar, situada entre montañas nevadas. Los exteriores, ya que estamos, se rodaron en pleno verano en los alrededores del Monte Rainier, en el estado de Washington. La familia Bridges la forman un padre alcohólico (Philip Tonge), la madre, fanática religiosa reprimida y castradora (grande Beulah Bondi, la mejor de la peli),  y sus cuatro hijos, que son el menor, un papanatas (el guaperas Tab Hunter), el sensato Art (sosísimo William Hooper), la reprimida Grace (desaprovechada Teresa Wright) y finalmente Curt (Robert Mitchum), que a la vez está al margen y en el centro de todos los rencores acumulados en la familia. Los dos personajes que quedan son Gwen (Diana Lynn), prometida pelirroja del hijo pequeño, y por último Joe Sam, un indio de 100 años ni más ni menos que interpreta…  ¡Alfalfa Switzer a los 26! Su horrendo maquillaje y su pavorosa actuación son a mi entender producto de una decisión inaudita de casting de la que no sé a quién culpar. Supongo que estaba en nómina de la productora, porque también aparece en Escrito sobre el cielo, y alguien debió pensar que tendría algún gancho publicitario su caracterización. Lo mejor que aportó a la producción son las risas que hubo, sin duda, el día en que se le ocurrió la gansada de tirar dentro de la cabaña donde se alojaba Mitchum con un amigote un mapache enrabietado. Resulta que el futuro protagonista de El cabo del terror estaba esperando en pelotas con un whiskazo en la mano a que su colega saliera de la ducha para entrar él, cuando entró el mapache infausto y él salió dando alaridos de terror al nevado exterior sin soltar el vaso, claro, para mofa y befa del pillín Alfalfa y otros miembros del equipo. Bueno, un miembro no se reía, el de Mitchum.

Volviendo a la película, creo que hay que tratar muy por separado el plano visual y el dramático. Empiezo por el segundo. Como bien dijo la crítica en su momento, más que un western de los llamados psicológicos tan de moda entonces, que es lo que puede parecer si a uno le cuentan la sinopsis, y que tampoco deja de serlo considerando su original puesta en escena, esto parece una obra de Eugene O’Neill con nieve alrededor y un gato alegórico y fatal dando vueltas por la finca. En efecto, la captura de la supuesta pantera que ataca al ganado enseguida comprobamos que no es más que una excusa para enmarcar y deshilar la trama de los conflictos que han podrido esta familia desestructurada. De hecho, como bien señala el Dr. Mabuse en su análisis, Mitchum aunque sea el protagonista en los créditos y un poco el catalizador de todo el magma dramático, no tiene mucha presencia en pantalla. A pesar de la importancia que los elementos de la naturaleza juegan en la historia, realmente se trata de una película de interiores, teatral, con unos protagonistas de personalidades muy marcadas, quizá demasiado. En mi opinión el mayor defecto de la película, Alfalfa al margen, son los diálogos, excesivos en cantidad y poco trabajados. Hay una verborrea constante que no casa con el aire onírico que tanto la amenaza exterior como el lenguaje visual invitan a respirar. Además hay unos cambios de tema absurdos y precipitados en las  conversaciones, y el supuesto conflicto soterrado que nadie se atreve a afrontar en el fondo es una chorrada: que al hijo pequeño no le dejan independizarse y llevarse las vacas a su propia hacienda. Por otra parte hay personajes a mi parecer mal trabajados, porque o bien no mantienen la coherencia, como el padre borracho, a veces conciliador y sensato y a veces un cerdo desagradable, o bien muestran una ambigüedad poco elaborada que no sabemos bien cómo interpretar ni a qué se debe, como esa presunta tensión sexual no resuelta entre Mitchum y Gwen, que no queda claro de dónde viene ni a dónde va.

Sé que estas opiniones negativas mías no casan con el aura de película reivindicable que tiene, y merece, The Track of The Cat, pero me parecía pertinente explicitarlas, pues son defectos que Wellman debería haber pulido con más trabajo en el guion. Porque Wellman era no sé si un buen guionista (les recuerdo que ganó su único Óscar por escribir Ha nacido una Estrella) pero desde luego sí fue un gran detector de malos guiones e historias que no llevan a ningún lado, incluso de aquellas que se vio obligado a filmar por contrato. El problema, me parece, es que esta vez se dejó llevar por su gran idea, la de rodar en color una peli en blanco y negro, y se preocupó mucho más del apartado visual y de la puesta en escena que de la historia. Una prueba de ello puede ser que el momento que siempre rememoró de este trabajo es la alegría que sintió tras ver la película terminada junto a William H. Clothier, director de fotografía, y abrazarse los dos en la sala de proyección porque lo habían conseguido.

Y es que El rastro de la pantera es, en efecto, una película en blanco y negro. Absolutamente todo lo que sale en pantalla, excepto el pelo de Gwen, y su camisa, una chaqueta roja que viste Mitchum, una bufanda amarilla y unos zapatos color crema que se “colaron” porque Wellman no se dio cuenta, todo lo demás está en la escala de grises. Incluso los pinos del exterior están rodados a contraluz, o de tal forma que en contraste con la blanca nieve se vean siempre oscuros y casi olvidemos su verde natural. Las letras de los créditos van en un negro inaudito. Incluso hay una colcha bordada en blanco y negro que simboliza y evoca la presencia viva de uno de los personajes que muere en un ataque de la pantera.

Tanto la casa como el exterior se convierten, por este lance cromático, en escenarios a la vez vanguardistas (es un decir) y tradicionales. Desde luego el resultado es muy atractivo, pero además hay que reconocer que Wellman además ha creado unas composiciones muy potentes y se ha dejado llevar por esas ocurrencias suyas que de vez en cuando asoman y que, aunque alguien podría tildarlas de anticuadas o pretenciosas, a mí me encantan, como el famoso entierro rodado por completo desde el punto de vista del ataúd, dentro del hoyo. Este momento, por cierto, es uno de los varios plano-secuencia largos y sin cortes que llenan la película, en consonancia con la pantalla panorámica y su teatralidad.

Es un placer ver esta película, pues el ojo de Wellman y la fotografía de Clothier efectivamente consiguieron su propósito, a pesar de que hay detalles pobretones o fruto de la precipitación, como que la iluminación no esté bien preparada -hay algunas sombras en interiores muy de serie B- o algún plano rodado en estudio inserto en las escenas exteriores bastante sonrojante. 

En fin, esta vez la apuesta no le salió bien a Wellman, al menos en taquilla. La película fue un fracaso que no interesó nada al público y moderadamente a la crítica, condescendientemente positiva pero poco entusiasta. El caso es que Wellman quedó muy contento, y lo que nos encontramos hoy es un filme único cuyo atractivo indiscutible proviene de varias contradicciones sin resolver: es a la vez anticuado y experimental, humilde y barroco, sencillo y relamido, teatral y climático, de interior y de exteriores. En color y en blanco y negro.

Más de Wild Bill en nuestro especial No soy tan duro: el cine de William A. Wellman

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